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Oltre agli imperdibili capolavori di Michelangelo nella Cappella Sistina, Raffaello nelle Stanze di Raffaello e tutti gli altri tesori artistici che rendono giustamente famoso il Vaticano, i Musei vantano anche una delle gallerie d’arte più belle del mondo, la Pinacoteca Vaticana.
Nascosti in un angolo tranquillo dei Musei, molti visitatori passano davanti alla Pinacoteca Vaticana senza darle una seconda occhiata. Ma con capolavori che vanno dall’opera pionieristica di Giotto che ha contribuito a inaugurare il Rinascimento italiano, all’ultimo dipinto di Raffaello, fino all’unico Leonardo a Roma, uno straordinario Caravaggio e molto altro ancora, per noi la Pinacoteca dei Musei Vaticani è una tappa obbligata in qualsiasi viaggio ai Musei. Per darti un’idea di cosa cercare nel tuo prossimo viaggio in Vaticano, qui sotto le dieci opere d’arte più importanti della Pinacoteca Vaticana.
1. Trittico Giotto di Bondone Stefaneschi, c1313-1320
Una delle opere più significative del periodo tardo gotico, il pionieristico trittico Stefaneschi di Giotto fu commissionato dal cardinale Jacopo Caetani degli Stefaneschi per l’importante altare del Canonico nella Basilica di San Pietro Vecchio intorno all’anno 1313. Solo pochi anni prima, il Papato si era trasferito da Roma ad Avignone, e la donazione di Stefaneschi all’ormai ridotta chiesa romana fu un potente appello per la continua rilevanza della tradizionale dimora della fede. Sul fronte della pala bifacciale, al centro Cristo è assiso sul suo trono eterno circondato da angeli. A sinistra e a destra del pannello centrale vediamo i martiri dei due santi patroni di Roma Pietro e Paolo: il primo crocifisso a testa in giù nel circo di Nerone, il secondo decapitato nelle campagne a sud della città. Il retro della pala d’altare mostra San Pietro in tempi più felici, seduto sul trono papale con in mano le chiavi della chiesa mentre lo stesso Cardinale Stefaneschi si inginocchia davanti a lui offrendo una versione in miniatura della pala d’altare. Una lunga lista di santi e santi luminari completa l’insieme nei riquadri di predella sottostanti.
2. Benozzo Gozzoli, Madonna della Cintola, 1450 ca
Uno dei maestri più popolari ma ora tristemente sottovalutati del primo Rinascimento, Benozzo Gozzoli era così amato dalla corte dei Medici che ricadde su di lui il compito di decorare il loro sontuoso palazzo nel centro di Firenze. La sua Processione dei Magi è una delle grandi delizie del Quattrocento, ma non c’è città in Toscana o in Umbria che non sia stata abbellita dal suo prolifico genio lirico. La Madonna della Cintola era una di queste commissioni, dipinta per la chiesa di San Fortunato nella città umbra di Montefalco intorno al 1450. La Madonna passa alla cintura dal suo seggio in cielo al sempre scettico San Tommaso nel regno terrestre sottostante, prova materiale che era ascesa di corpo nella sfera celeste. I volti eleganti, i contorni delicati e la splendida foglia d’oro scintillante forniscono tutti una bella testimonianza dell’abilità di Gozzoli.
3. Melozzo da Forlì – Sisto IV nomina Bartolomeo Platina Prefetto della Biblioteca Vaticana, c1477
Non tutti i dipinti più belli della Pinacoteca Vaticana sono di natura strettamente religiosa. Un capolavoro assoluto di sondare ritrattistica psicologica, la rappresentazione di Melozzo da Forlì del momento in cui Papa Sisto IV nominò Bartolomeo Platina alla carica di primo Prefetto della Biblioteca Vaticana di recente fondazione è una delle finestre più vivide sul mondo raffinato della corte papale rinascimentale esistente . Il Papa dalla mascella pesante è seduto all’estrema destra, mentre l’umanista Platina inginocchiato davanti a lui è pronto a ricevere la conferma ufficiale della sua commissione. Platina punta verso il basso, fuori dallo spazio narrativo del dipinto, verso un testo fittiziamente inscritto da lui composto per esaltare le conquiste del suo nuovo capo, mentre il cardinale favolosamente abbigliato e i nipoti laici guardano solennemente: Girolamo Riario e Giovanni della Rovere sono nelle loro pellicce secolari e catene alle spalle del Platina, mentre il pronotario apostolico Raffaele Riario sta accanto al futuro papa e mecenate di Michelangelo Giulio II alle spalle del pontefice. Melozzo era venuto a Roma nel 1475 e si affermò rapidamente come pittore preminente della città: questo ritratto a più figure ne chiarisce il motivo. Per vedere altre meravigliose opere di Melozzo a Roma, dai un’occhiata alla spettacolare ma poco conosciuta Cappella del Bessarione.
4. Leonardo da Vinci, San Girolamo nel deserto, circa 1482
La Pinacoteca Vaticana ospita l’unico dipinto di Leonardo da Vinci a Roma, un’interpretazione spettrale incompiuta di San Girolamo nel deserto. Una delle opere più misteriose della mano del grande maestro, poco si sa sulla sua funzione originaria, destinazione, mecenate o provenienza. La prima citazione documentata dell’opera risale solo al 1807, quando il dipinto fu citato nel testamento della celebrata pittrice neoclassica svizzera Angelica Kauffman. L’enigmatico capolavoro di Leonardo ancora una volta scomparve senza lasciare traccia dopo l’esecuzione del testamento di Kauffman, solo per essere riscoperto 20 anni dopo dallo zio di Napoleone, il cardinale Joseph Fesch, utilizzato come banco da lavoro da un calzolaio romano. L’opera salvata fu installata in Vaticano negli anni Cinquanta dell’Ottocento. Dipinto probabilmente nel 1480, il quadro è dipinto su un pannello di noce e ritrae il santo addolorato da solo in un paesaggio desertico devastato, pronto a picchiarsi nel petto già sanguinante con una roccia stretta nella mano destra mentre il suo fedele compagno leone osserva la penitenza del suo padrone. Il disegno preliminare è visibile dappertutto, offrendo un’affascinante visione della pratica lavorativa di Leonardo e della sua preoccupazione per la costruzione di anatomie umane convincenti e dettagliate.
5. Raffaello, Madonna di Foligno, 1511-12
Uno straordinario esempio della dolce bellezza per la quale il maestro rinascimentale Raffaello era così ammirato dai suoi contemporanei, la Madonna di Foligno ritrae una visione celeste di una bellissima Vergine Maria che stringe un Cristo bambino grassoccio e carnoso seduto su un banco di nuvole. In basso, San Giovanni Battista e San Francesco d’Assisi salutano con un gesto la Sacra Famiglia, mentre San Girolamo presenta a Maria il committente del dipinto, il dotto umanista Sigismondo de’ Conti. Il magro Conti era il ciambellano di papa Giulio II, e commissionò il dipinto per ringraziare che la sua casa a Foligno fosse stata risparmiata dalla distruzione in un devastante temporale. L’evento è rappresentato sullo sfondo, dove un meteorite fiammeggiante precipita verso la città di Foligno. Un arcobaleno che si inarca sulla città indica la felice conclusione del racconto. Da notare in primo piano l’angelo che regge una targa bianca: la targa doveva recare un messaggio di ringraziamento alla Vergine composto personalmente, ma purtroppo Sigismondo morì prima di avere la possibilità di mettere nero su bianco.
6. Raffaello, La Trasfigurazione di Cristo, 1520
L’ultima opera che Raffaello era destinato a dipingere nella sua illustre ma tragicamente breve carriera è considerata da molti la sua più bella. Commissionata da Giulio de’ Medici – il futuro papa Clemente VII – la massiccia pala d’altare doveva adornare la cattedrale di Narbonne in Francia, dove Giulio era arcivescovo. L’argomento è un momento piuttosto ambiguo del Nuovo Testamento in cui Gesù è andato con i suoi discepoli a pregare su una montagna. Il Messia è improvvisamente circondato da un alone di luce bianca accecante e levita verso il cielo insieme alle apparizioni di Mosè ed Elia, mentre una voce dal cielo lo saluta come il figlio di Dio. Per rappresentare questo miracolo fondamentalmente astratto, Raffaello ricorre a un virtuoso sfruttamento del potere della luce: possiamo quasi sentire gli accecanti raggi celesti che illuminano la cima della montagna, abbattendo Pietro, Giacomo e Giovanni con la loro forza sovrumana. Raffaello infatti unisce gli eventi della Trasfigurazione con il successivo racconto evangelico, quando gli apostoli di Cristo lottano invano per curare un fanciullo posseduto dai demoni: il ragazzo dovrebbe attendere il ritorno di Gesù dalla montagna per essere esorcizzato con successo.
Capolavoro sia compositivo che cromatico, il contrasto tra il mondo celeste della divina rivelazione, soffuso di luce bianca accecante, e quello terrestre dove figure di straordinario realismo gesticolano dal miracolo della Trasfigurazione di Cristo a quello del fanciullo esorcizzato, mostra Raffaello come maestro di entrambi i registri artistici. Quando la febbre furiosa che portò Raffaello alla tomba colpì il pittore, la Trasfigurazione era quasi finita. Secondo la leggenda si trovava ai piedi del suo letto di morte mentre le condizioni di Raffaello peggioravano, ultimo testamento silenzioso e testamento dell’uomo che sarebbe stato salutato come il “Dio dell’arte” alla sua scomparsa. Dopo la sua morte, il dipinto fu esposto per sei giorni in Vaticano, dove fece scalpore. Ogni pensiero di inviarlo in Francia è stato sospeso definitivamente: la Trasfigurazione è stata prima inviata alla chiesa di San Pietro in Montorio, prima di tornare in Vaticano dove è ancora oggi visibile al posto d’onore nella Pinacoteca. Per molti rimane il suo capolavoro definitivo, un segno vivido della perdita irreparabile subita dal mondo dell’arte il 6 aprile 1520. Con la morte di Raffaello, così la maggior parte delle storie d’arte, arrivò la morte del Rinascimento stesso.
7. Tiziano, Madonna col Bambino e Santi, 1535
Il più grande e influente praticante della scuola veneziana durante il Rinascimento, le opere di Tiziano sono caratterizzate da colori magnificamente vibranti e pennellate espressive: la tela dei Musei Vaticani è un autentico capolavoro della maturità del maestro e raffigura la Vergine Maria che culla il Cristo bambino in un paesaggio visionario di nuvole leggere circondate da putti. Nel nebuloso mondo terrestre sottostante, i santi Caterina, Nicola, Pietro, Antonio, Francesco e Sebastiano si rivolgono devotamente alla sacra visione. Nota il Sebastiano quasi nudo sulla sinistra, trafitto dalle frecce in riferimento alla sua esecuzione fallita. Il dipinto fu commissionato per la chiesa veneziana di San Niccolò dei Frari prima di essere portato a Roma negli anni Settanta del Settecento.
8. Michelangelo Merisi da Caravaggio, La Deposizione di Cristo, c1600
Un vero pezzo unico artistico, forse nessuno ha colto i cambiamenti sismici in atto nel mondo dell’arte alla fine del XVI secolo più di Caravaggio. Nel corso della sua breve ma straordinariamente produttiva carriera, l’impetuoso e imprevedibile pittore lombardo ha lasciato una sfilza di capolavori in tutta la Città Eterna. Uno dei più belli è la Deposizione di Cristo che dipinse per la chiesa madre oratoriana conosciuta come Chiesa Nuova e ora nella Pinacoteca Vaticana, una sorprendente affermazione dello stile rivoluzionario dell’artista che segnò una tale rottura con gli ideali del Rinascimento.
Invece dell’eroico Cristo familiare da innumerevoli tele rinascimentali, Caravaggio ci offre un cadavere carnoso. L’anziano Nicodemo lotta con forza per sostenere il suo peso morto, gobbo e piegato in due per lo sforzo. I suoi piedi nudi sporchi e il viso segnato dall’età rappresentano l’impegno di Caravaggio per il realismo. Per i contemporanei abituati alle immagini idealizzate che scaturivano dai pennelli di artisti come Raffaello, il fatto che questa figura sacra assomigliasse a qualsiasi vecchio impoverito che potresti vedere trascinarsi per le strade romane era un confronto scioccante. Dietro di lui, tre donne esprimono diversi tipi di lutto: una alza le mani al cielo dal dolore, un’altra si asciuga teneramente gli occhi pieni di lacrime, mentre la Vergine Maria si limita a fissare con ardente intensità il corpo senza vita del figlio. La visione di Caravaggio rifletteva un nuovo tipo di spiritualità popolare che cercava di portare il mondo di Dio a diretto contatto con la quotidianità, ed era molto popolare nonostante le controversie che corteggiava (l’omicidio era solo il culmine della sua fedina penale lunga un miglio). Le figure illuminate si stagliano drammaticamente fuori dallo spazio nero come l’inchiostro della tomba, un incredibile esempio dell’estremo chiaroscuro che ha reso l’opera di Caravaggio così spettacolare e che avrebbe definito l’età del barocco.
9. Nicolas Poussin, Il martirio di Sant’Erasmo
Il martirio è per sua natura un affare abbastanza cruento, ma pochi dipinti provano un tale piacere nel riprodurre i dettagli che fanno trasalire quanto la profanazione corporea del Martirio di Sant’Erasmo di Poussin, un vescovo paleocristiano martirizzato per ordine di Diocleziano nel 303 d.C. Completamente fuori sincronia con il resto dell’opera di Poussin, caratterizzata da interpretazioni colte e sobrie del mondo perduto dell’antichità, questa fu la prima grande commissione del pittore francese a Roma dopo il suo arrivo nella Città Eterna nel 1624, ed era destinata a un altare in San Pietro. Lo sfortunato santo è disteso su una panca di legno, il busto spaccato a metà mentre un torturatore vestito in modo succinto gli strappa le viscere e le avvolge attorno a un argano dietro di lui. Un altro carnefice aziona il verricello, facendo girare un albero a gomiti per estrarre ulteriormente le viscere del povero santo. Sacerdoti e soldati pagani indicano beffardamente una statua d’oro di Ercole che il santo si era rifiutato di adorare, ma Erasmo ha occhi solo per la sua ricompensa celeste, simboleggiata dagli angeli che scendono portando giù una palma del martirio e una corona di santità.
10. Domenichino, Ultima Comunione di San Girolamo, 1614
Un tour de force narrativo degli ultimi, ansanti momenti dell’anziano San Girolamo, il maestro barocco Domenichino considerava questo dipinto il suo capolavoro. Nell’imponente ambiente architettonico di una basilica romana, il padre della Chiesa morente è sostenuto da assistenti per consentirgli di prendere l’ostia santa della sua ultima comunione mentre gli angeli si librano nel cielo sopra pronto a trasportare la sua anima in partenza in paradiso. Sebbene molto ammirata dai contemporanei e rapidamente considerata una delle grandi opere moderne della città, l’Ultima Comunione del Domenichino non fu priva di polemiche. Lanfranco, connazionale e rivale del pittore bolognese, scatenò una bufera accusando il suo ex collega di plagio, sostenendo che la tela del Domenichino fosse una fregatura della versione di Agostino Carracci dello stesso raro soggetto dipinto 20 anni prima. Sebbene le opere condividano innegabili affinità, altri artisti si sono subito lanciati in difesa del Domenichino, e sembra che le motivazioni di Lanfranco fossero tutt’altro che pure – entrambi gli artisti erano all’epoca in competizione per la stessa commissione in San Andrea delle Valle, e Lanfranco vide un’opportunità per screditare suo rivale. Mentre l’affare del plagio ha fatto poco per offuscare la fama di Domenichino, l’accusa era di perseguitare periodicamente Domenichino per il resto della sua carriera.
