I capolavori di Donatello

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Disegno e Arte

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Pubblicato da Luigi Gaudio su 27 Gennaio 2019

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Scuola

L’analisi delle opere di Donatello dal giovanile San Giovanni Evangelista alla rugosa Maddalena Penitente disegna uno sviluppo del realismo rinascimentale di stampo classico, che ispirerà Michelangelo

1408-15 San Giovanni Evangelista Marmo – Museo dell’Opera del Duomo, Firenze

Non si conosce la data precisa di questa prima opera di Donatello, ma tra il 1408 e il 1415 l’artista lavorò a questa scultura figurativa in marmo di grandi dimensioni raffigurante San Giovanni Evangelista. Tipicamente raffigurato da giovane, Donatello decise di ritrarre l’apostolo come un profeta anziano, con in mano la Bibbia, il che rappresentava un allontanamento dalla leggenda verso una interpretazione più umanizzante. Mentre la metà superiore della scultura rappresenta ancora un punto di vista idealizzato, l’espressione facciale del soggetto è attentamente considerata e la scultura delle gambe e delle mani suggerisce una figurazione più realistica. Donatello presta attenzione all’anatomia delle gambe del santo, anche se sono nascoste sotto le vesti, dimostrando una nuova preoccupazione nel rappresentare il corpo con accuratezza e naturalismo. L’opera è stata esposta in una nicchia della facciata del Duomo di Firenze, un progetto che ha riunito nel corso di due secoli le opere di alcuni degli artisti più importanti della città.

Questa scultura è vista come un importante passo avanti rispetto allo stile gotico che predominava nell’arte fiorentina (ed europea) a questo punto. Donatello mostra inoltre una nuova comprensione delle esigenze della prospettiva, compensando il fatto che gli spettatori vedrebbero la scultura dal basso e rendendo quindi il corpo sproporzionatamente più lungo delle gambe. Come sottolinea il curatore e storico dell’arte Daniel M. Zolli, Donatello era consapevole che la base della scultura sarebbe stata posta a circa quattro piedi sopra l’altezza umana: “Non solo le proporzioni di Giovanni sono molto più vicine alla natura se osservate da questa angolazione, ma la sua presenza è molto più formidabile: il tessuto delle sue vesti pende pesantemente dalla struttura del suo corpo, e l’intera composizione si organizza in una stabile piramide.”

San Giorgio (1415-17) Marmo – Museo Nazionale del Bargello, Firenze

Donatello fu incaricato dalla corporazione degli spadai e degli armaioli di scolpire questa scultura del loro santo patrono, San Giorgio, per una nicchia all’esterno della chiesa di Orsanmichele a Firenze. L’opera è una rappresentazione a grandezza naturale del santo in piedi su un pannello di marmo scolpito per illustrare il famoso momento mitico in cui Giorgio uccise il drago. Sebbene l’opera volesse riflettere lo spirito fiorentino di resistere a tutti gli avversari, la meticolosa resa dell’emotività del volto di Donatello tradisce anche una spiccata vulnerabilità e morbidezza. Questa esperienza nel ritrarre le emozioni, come si vede anche nella sua statua equestre del condottiero Erasmo da Narni, era una tecnica distintiva dell’artista verso soggetti umanizzanti che tradizionalmente sarebbero stati presentati in modo più idealizzato.

L’opera segna un momento importante nello sviluppo della scultura perché Donatello ripropone gli ideali della scultura classica e li sposa con un nuovo realismo, discostandosi coraggiosamente dal precedente manierismo gotico. Anche il pannello marmoreo alla base è un’importante opera d’arte di per sé. Si tratta di uno dei primi esempi chiave di bassorilievo realizzato utilizzando i principi della prospettiva lineare, che all’epoca si stavano infiltrando nella pittura. Il passaggio dalla prospettiva empirica alla prospettiva lineare è una delle scoperte chiave che hanno contribuito allo sviluppo dell’arte rinascimentale. Donatello aveva familiarità con gli esperimenti prospettici realizzati dal suo amico Brunelleschi e la sua abilità consisteva nell’applicarli all’impegnativo mezzo della scultura in bassorilievo.

Busto di Niccolò da Uzzano (1433 circa)

Terracotta dipinta – Museo Nazionale del Bargello, Firenze

Niccolò da Uzzano fu una figura importante nella politica fiorentina dei primi decenni del XV secolo, agendo come rispettata figura intermediaria tra le potenti famiglie rivali della città. Donatello realizzò il busto (anche se la sua paternità è talvolta contestata) subito dopo la morte di Uzzano nel 1433. Fu il primo mezzo busto di un privato cittadino prodotto fin dall’antichità.

L’uso da parte di Donatello di terracotta accuratamente modellata, l’insolita espressione facciale e la scelta della pittura policroma suggeriscono che questo fosse inteso come un ritratto accurato di un individuo, piuttosto che un’immagine idealizzata che rappresenta un concetto astratto di leadership o virtù. L’arte di Donatello enfatizza l’umanità e la personalità di Uzzano in un modo che non era mai stato visto o ritenuto credibile nell’arte. Eppure, accanto al movimento umanista fiorentino dell’epoca, gli artisti stavano passando a una rappresentazione più autentica delle persone, siano esse reali o plebee, che enfatizzava l’espressione genuina.

L’esperto del Rinascimento fiorentino Irving Lavin sostiene che presentare la figura come un mezzo busto è la chiave del suo potere e sottolinea l’approccio rivoluzionario di Donatello. Tagliando la figura al busto ed evitando la tradizionale presentazione su un elaborato piedistallo, Donatello suggerisce che si tratta di un vero ritratto e di una rappresentazione mimetica di un essere umano reale: “Ciò che è visibile è parte di un tutto più ampio, che c’è più di quanto sembri. Concentrandosi sulla parte superiore del corpo ma sottolineando volutamente che si tratta solo di un frammento, il busto rinascimentale evoca l’individuo completo, quella somma di caratteristiche fisiche e psicologiche che costituiscono “l’uomo intero”.”

Davide (1440-43) Bronzo – Museo del Bargello, Firenze

Questo piccolo ma squisito bronzo è una delle opere più famose di Donatello. Si tratta di una scultura in bronzo indipendente di cinque piedi di David, dalla storia classica David e Goliath. Sta in contrapposto, una posizione classica tradizionale in cui si porta più peso su una gamba rispetto all’altra. Invece di essere raffigurato come un uomo potente, viene presentato come un giovane ragazzo nudo che indossa un insolito cappello coronato di alloro (un motivo di vittoria) e un paio di stivali riccamente dorati. Questa disposizione non convenzionale, combinata con i lunghi capelli della figura, i lineamenti delicati e la figura snella, rendono l’opera un pezzo provocatorio, civettuolo ed effeminato. Un altro fattore strano è che un’ala dell’elmo di Golia è considerevolmente più lunga dell’altra e punta la gamba della figura verso l’inguine. L’opera è stata un punto di contatto chiave per le discussioni sulla sessualità di Donatello.

A parte queste speculazioni, il David di Donatello è importante sia in termini tecnici che in termini di trattamento da parte dell’artista del suo soggetto. È stata la prima scultura di nudo maschile indipendente prodotta fin dall’antichità e controversa per una figura biblica non pagana. Al di là dell’audace reintroduzione del nudo nell’arte, la storica dell’arte Dr. Beth Harriet ha sottolineato a proposito di questo primo periodo rinascimentale che “le figure scolpite si sono finalmente staccate dall’architettura e sono di nuovo indipendenti come lo erano nell’antica Grecia e a Roma”. . E poiché è indipendente, è più umano, più reale. Sembra in grado di muoversi nel mondo, e ovviamente anche il contrapposto lo fa. È facile immaginare questa figura nel giardino del palazzo mediceo, circondata dagli antichi giardini greci e romani scultura che stavano anche collezionando.” Infatti, a causa della sua piccola statura e della sua posizione, la statua è stata progettata per evocare un’esperienza intima per i visitatori della famiglia.